『ヒト、ヒト、モノ』に寄せて

美というものを仮に、目を惹きつけるもの・状態を指す言葉だとして、ダンスにおける「美」は、「間（あわい）」の中に起こるものではないかと思う。

無機物と有機物の間、重力と無重力の間、自意識と無意識の間...etc

それらの「間」は、私の目を惹きつける。では、それをいかにして再現可能な形に落とし込むか。

まず私たちは観る者のチューニングを試みる。知覚を新鮮に開かせる為に、些細で間欠的な音を聴かせ、まず耳を研ぎ澄ます。

そしてダンスは自我を主張し過ぎず、かといってそれが無いフリをするわけでもなく、淡々と進む。幽けき音の中で、無機物の存在、その揺らぎと共に進行するダンスに、明瞭に定義できない複数の「間」が散りばめられる。

振付は、水の形象が作り出す線を「なぞる」というところから起こしている。水は、「間」を象徴するものとして、本作では様々な形で登場する。使用楽曲「蘇州夜曲」でも水のモチーフは複数回登場する。

そのドライな低体温の中で繰り広げられる劇的な展開に、誰もが目を惹かれずにはいられない設計を目指した。

パフォーミング・アーツと言葉

ダンスの山下彩子と、せんだい卸町アートマルシェ2018で初演した『ヒト、ヒト、モノ』を映像資料用にリクリエーションしている。

『ヒト、ヒト、モノ』は、"a440pjt"で培ってきた自分のライブ・インスタレーションに山下のダンスが絡む共作作品で、初演では30分弱だったものを20分に収まるよう、無駄な手を省きつつ、いかに作品のキャラクターを強固にできるか試行錯誤している。

作品のコンセプトがなんなのか、明確に言葉で共有した訳ではない。"a440pjt"を頻繁に観に来てくれていた山下が、それにダンスを合わせてみたいという意欲を持ってくれたのがきっかけだった。

山下のダンス小作品『ササヤカなキモチについてのセイリ。』（2017）、『Tiny choices, Tiny things』（2018）で音楽を担当し、少しづつ堆積して来た共通項を深める作業であり、それらの小作品の枠では果たせなかった共作に挑戦した時間になっている。

本作の一端を敢えて言葉で説明すると、『ヒト、ヒト、モノ』における山下のダンスは、「気配のダンス」という言葉が初演のリハーサル時のメモとして残っているが、奇妙な生き物のような、土着の踊りのような、独特の空気感を纏いながら、自分が創り出す幽かな音の空間に共存している。音によって踊りがきめ細かく映り、踊りによって音への繊細さが高まる、そんな時空間が時折、産まれる。

初演時に、同じく卸町アートマルシェに参加していたスタンダップ・コメディアンの清水宏さんに口頭で「他人に自分の中の必然性を伝える為にロジックは必要なんだよ」というお言葉を頂いたが、本当にそうだな、と今でも思う。

映像資料に付けるアプリケーションや企画書に、自分たちのロジックを伝えるための言葉が圧倒的に不足していることを実感する。それは、作品が煮詰められていない、ということではないと思う。パフォーミング・アーツにおいて、微細な感覚を積み重ねて作品を創って行くと、往往にして言葉は遅れていく。

言葉を追いつかせる、という意味で、作品を「言葉に起す」批評は重要だと思うが、一つの作品を長期に渡って育てる為にも、いつの日かの「単独公演」以前に、様々な人に触れてもらえるようにしたいと考えている。

なので、ご興味ある方は佐々木（sasakisujin@gmail.com）までご連絡ください。リハーサルにお越し頂く、映像のリンクを共有するなどのカタチで、ご協力いただければと思っています。フィードバックは雑感で構いません。

あと、アプリケーションはいくつか出しますが、他所でも積極的に上演したい作品です。こちらも合わせてご助力、よろしくお願い致します。

棚と白熊

先日、朋友・守屋パヤと高田馬場でコーヒーを飲んでいた時、どちらからということもなく、バンドをやろうという話になった。

守屋とは同じ高校ではなかったものの、その頃からの友人であり、scscs以前に"the Satellites"というバンドを二人でやっていたし、scscs第二期には何をしたいのだかハッキリしない自分をメンバーとして大変支えてくれた。

やりたい音楽こそ異なるが、数年前からの守屋のソロアルバムはどれも出来が素晴らしく（Sound cloudで一端が聴けます）、友人である以上に最も尊敬している身近なアーティストの一人でもある。

そんな守屋とバンドができることが嬉しく思い、昨今どんなバンドにするかということをずっと考えている。

なんせ二人である。ので、編成からまず熟慮しなくてはいけない。
一昨年くらいからずっと、歌と楽曲のリサーチとしてthe Satellites時代の楽曲をセルフカバーして研究を続けているのだが、歌とベースの相性というか、歌を支えているのはウワモノの音ではなくベースだということが引っかかっていて、ベースとボーカルの二人編成というのはどうだろう？と守屋に提案してみた。

面白そうだということで、ベースを借りて守屋の曲を数曲カバーしてデモを制作したが、大変感触が良い。歌が引き立つ。彼の歌はメロディがシンプルなので、ベースも大いに遊べる。

そんなデモ音源を数回やりとりして、バンド名が唐突に浮かんだ。
棚と白熊、というのはどうか。守屋は笑って快諾してくれた。
カチリとしながらどこか緩い愛嬌もあって、大変気に入っている。

近日中にデモ音源を公開します。またクローズドですがライブの予定もあります。知人ならご招待できるかも。ご興味ある方はお問い合わせください。

ぜひ、今後の動きにご注目頂きたい。

音楽は関わりの中で生まれる

目眩がしている。

一人の天才が独自の世界観を具現化し感動的な作品を創り出す、という物語は芸術に対する（根深く浅い）イメージとして通用している。その物語は確かにメディア向きでキャッチーだ。

しかし実際は、人と人との関係の中にのみ「パフォーミングアーツ」は生起すると今では思っている。自分が今携わっているのは音楽（と障害福祉）というフィールドだが、音楽は作曲家や演奏者の内側から外側へと伝わるというような「近代的な」世界観ではなく、演者と聴衆の関係の中で生起する流動的なエネルギーだと思うからだ。

つまり、ネットワークの中で音楽が起こるのであって、特異な一点から一方的に伝わるのではない。その構図はダンスにも当てはまると思う。

冒頭の話に戻ると、「振付家」や「演出家」が特異な一点として「作品を創り出す」という世界観に、作家の古びた妄執と、そこにしか活動の支点を作れないダンサーの悲劇を感じる。それらと距離をとる為には、自分たちが新たなネットワークを構築していくほか手段はない。

新作に寄せて

3/31に大久保ひかりのうまにて、新作を発表します。
詳細
そのリハーサルを休日に詰め込んで試行錯誤している。

新作のタイトルは"kq"、単純に呼吸と停止で構成する作品なので、暫定的にそう名付けた。
公表する作品としてはウン年ぶりの「作曲」作品である。どこまでが作曲でどこからが即興なのか、私はまだまだ不勉強で明確な定義を持っていないが、"kq"は３種類の呼吸の回数と停止のみが指示されている、ごく簡潔な「譜面」を目指して研鑽と検証とを繰り返している。

そのモチベーションは、前作"a440pjt"が、リハーサルを重ねた末の「即興」作品であり、自作自演が前提となっていたが、そこを捉え直す契機として、また、時空間の構成を予め決めることには構造的な強度が必要なのではないか、ということについて考えてみたかったからである。

そも、バンド時代から「譜面」を書くという作業をしたことがない私であるが、"kq"の「譜面」は、「戯曲」や「舞踏譜」、もしくは「コマンド」とも呼べるものに仕上げていっている。構成を手を使って書き出すという過程で、誤読される可能性をなるべく排除しようと整理、客観視「できる」とも「してしまう」とも言える、至って必然的な事象に初めて気づいた。いわば、構成を記号に置き換えて簡潔に表そうという過程で、構造という捉え方が不可避になってくる。

また、時空間を構造化していく時に、構造としての強さを模索（＝簡略化なのではないかと考えています）していくと、既存の類型（起承転結とかソナタ形式とか）にもぶつかる。自分自身、つい類型を準えたりしている。それ自体が反省すべきことだとは思わないが、自分がこだわってきたこと；存在としての強度を強めるために、即時的な判断で時空間を構成していくこと、または、scscs時代のような口伝で構成する手法を大切にはしたい。つまり、類型の選択に、必然性や強い動機付けが必要なのだと思う。

"kq"に於ける暫定的な結論を述べると、類型に依る強さはある、が、構造を単純化していく中で必然性が失われれば、それは自分にとっては無味である。無味は一つの味なのかはさて置き、必然性に則ると類型がアレンジされていき構造は複雑化していく、いわば、個人の必然性と全体の構造的強度が相反する概念として自分の中にはある、という発見は何かしら含蓄があるように思った。

Sound Sample Market vol.1 を終えて

たった３回の公演だったが、自分のパフォーマンスについては毎回ブラッシュアップされていった。そして、12日夜の最終回は暫定的な回答と呼べるような、満足の行くパフォーマンスができた。

どんなに稽古をしても、お客さんの視線にさらされて初めてわかることは、舞台をやっているとママある。今回は特に自主企画だったけど共演者がそれぞれソロをやって、その流れ、醸成されて来た空気をどう受けるか。どう流すか。どう変えて行くのか。という経験は本当に久々に直面した。

でもおかげで、演劇やダンスでは行けない（と思う）ところの景色を観る事ができて、いま静かな満足感に満ちている。

お客さんに刺激的な言葉をたくさん頂けた。色んな感想があったけど、その中でも「死のイメージを感じた」というのが心に残っている。
それは、自分が自殺しようとした事があるとかいうことではなく、"物"になりたいという願望が「物体になった人間＝死」なのではないだろうかと推測する。

何の変哲もないものを、美しく見せたいと思う。ロープの曲がり方、脚立の不安定さ、アルミホイルの輝き。それらと同化したいとは思っていないが、近づきたいという欲求は確実に自分の中にあって、近づく為に集中する、それによって平穏や調和が生起すると考えている。少なくとも自分の中では、うまくいっているときはその状態にいける。

耳を澄ます。目を凝らす。の延長にあるもの。感覚が研ぎすまされると、いつしか自我が薄れて行く、その境地。
そこに共感できるか、距離を持って観るかで、大きく反応が変わると思う。

「調和」がアーティストとしての活動のコンセプトであるように、私は自分が先ず救われたいが、同時に立ち会ってくれた方々にも同じ景色を観て欲しいと願っている。
その成功率が低いという意味では、"a440pjt"もまだまだ発展途上ではあると思うのだが、ここで一段落つけて次の作品作りに向けて動き出したいと思っている。

それは終止符ではなく、休符を置くようにいつか再開することを既に予感している状態だ。そして、他のプロジェクトを進める中でも何度も立ち返るし、その度に持ち帰れるものがあると思う。そういうライフワークに30代前半で出会えたことはラッキーとしか言いようがない。

SSM vol.1は残念ながら批評を生業としている方には立ち会って頂けなかったので、作品群に関するテキストが残らなかったのは痛恨ではある。できれば、批評ではなくても、多くの方に文章でそれぞれが感じた事、自身の中で起こったことを残して欲しい。

それがまた自分への刺激と確実になるし、周囲へも細やかに波紋を広げていけるのではないだろうか。

ご来場頂いた方、ギリギリまでご検討下さった方、遠くから応援して下さった方、本当にどうもありがとうございました。
精進致します。今後ともよろしくお願い致します。

想像力という言葉より可能性という言葉を使いたい

自分の生活と人生において、大切な物は可能性で、つまりは病気や老後に備えて毎月保険をかけるより自分に投資して感覚を肥やした方が良いと考えているアーティスト人生である。

先日、現代美術の批評家として名高い某氏が「文系は想像力の為の学問だ」というようなことをTwitterで仰っていたが、私は想像力という言葉より可能性の射程距離という言葉に置換したい。理系的な言葉使いの方が、いま私が生きる現実に対して有効だと感じる。

私は夢見ている、というキング牧師の有名な言葉があるけど、この力の言葉の強さは夢見ると宣言することによって抑圧された人々たちとそこに連帯できる人たちに、共有可能な理想の未来像を示唆したからにほかならない。

それは想像力というより、可能性の種を蒔くような作業だったのではないか、と思う。想像力や夢という言葉も現実的な力を持ち得るとは思うのだが、「夢があっていいですね」が何かしら堅実に生きている人からの切断を意味する時代だから、至って静かに「なんの可能性もない人生をお送りですね」と返してやりたい。（嘘です）

可能性、ならば生きている全ての人に関わりのある言葉であるように思う。無宿者でも定職に就きたいのか、気儘に生きて行きたいのかで、可能性の定義は異なるし、そこに可能性を残さないと押しつけになるよね、ということも今一度確認する必要があるだろう。

つまりは、可能性の射程距離の狭さが私たちの選択の自由を狭めていないか、という空気を感じるのである。しかし、その空気をなんとかしましょうよ、という展開も大切だが、世界にはこんな可能性があるのだ、というモノを提示することを私はライフワークにしている。

アーティスト人生を生きて行くことは生易しくはないけれど、常に可能性はあります。それは私が何者であるか自覚する為の営為であり、そこに先人がいたということだけを励みに、そして私もそのような後続への励みになろう、というだけの営為だ。それだけの可能性だが、決してその射程距離を侮る勿れ、と強く思うのである。